Au-delà de Bollywood : 2000 ans de danse dans l’art

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Mythical Bird Man Dancer (l’un d’un couple homme-femme), artiste inconnu. Bois, laque, feuille d’or, verre. Milieu à la fin du XIXe siècle, Birmanie. De la Burma Art Collection, Northern Illinois University, don de Konrad et Sarah Bekker. Chez centerforburmastudies.com

Du 31 mars au 10 juillet à San Francisco, vous aurez l’occasion de voir la chose la plus rare : une exposition d’art asiatique qui fait la part belle à la danse. La danse est le cousin pauvre de l’histoire de l’art en Asie occidentale depuis des décennies : ignorée en tant que contenu, inutilisée en tant que contexte. Cette source d’informations sur les pratiques spirituelles et les vraies valeurs des cultures représentées a longtemps été occultée au profit des priorités historiques de l’art : âge, matériau, style, taille, valeur marchande. Alors que l’histoire de l’art et l’histoire de la danse travaillent main dans la main dans la recherche avancée chinoise, et alors que la valeur de la danse est incontestée dans la recherche avancée indienne, nous, en Occident, commençons seulement à comprendre que la pleine signification de la danse est nécessaire pour comprendre l’ancienne et cultures asiatiques. Ce sens plein fait pas résident dans la société occidentale. Au lieu de cela, nous devons nous tourner vers d’autres cultures pour les traditions de sagesse corporelle que nous avons perdues.

Le célèbre érudit indien de l’art et de la culture d’Asie du Sud-Est et de l’Himalaya, le Dr Pratapaditya Pal, a produit une exposition et un livre en 1997, Danser à la flûte, qui a examiné des œuvres d’art plus anciennes, pour la plupart antérieures à 1600, qui représentent la danse en Inde. Il s’agit d’un rare catalogue d’exposition sur l’histoire de l’art asiatique prenant la danse dans l’art comme sujet. Le Dr Pal a ouvert la porte aux historiens de l’art pour commencer leur incursion dans l’appréciation de l’art émouvant de la danse. Aujourd’hui, 26 ans plus tard, un trio de commissaires américains prend le relais et propose une nouvelle exposition, une avancée quantique dans l’histoire de l’art, prenant la danse comme sujet en occident : Au-delà de Bollywood : 2 000 ans de danse dans l’art.

Nautch Performance avec trois danseurs, ch. 1863. Épreuve à l’albumine argentique. De la collection de Catherine Glynn Benkaim et Barbara Timmer. De wikimedia.org

Le concept original d’une exposition « danse dans l’art » est venu de Laura Weinstein, qui est la conservatrice Ananda Coomaraswamy de l’art sud-asiatique et islamique au Musée des beaux-arts de Boston. Elle l’envisageait comme un projet d’humanités, en soi une façon ennoblissante de traiter la danse, et la considérait comme une source de sens. En fin de compte, Weinstein n’a pas été en mesure de poursuivre l’évolution de l’exposition, et son proche collaborateur, Forrest McGill, conservateur en chef et conservateur Wattis de l’art d’Asie du Sud et du Sud-Est au Asian Art Museum de San Francisco, a commencé à développer une exposition plus historique de l’art, jamais perdre de vue l’intention initiale. Avec le temps, McGill a noué des liens avec Ainsley M. Cameron, conservateur de l’art sud-asiatique, de l’art islamique et des antiquités au Cincinnati Art Museum, et une exposition est née : Au-delà de Bollywood : 2000 ans de danse dans l’art. Coproduite par le Cincinnati Art Museum, où le spectacle a ouvert ses portes en novembre de l’année dernière, l’exposition, différemment présentée, s’ouvre à San Francisco le 31 mars et se termine le 10 juillet. Si vous êtes n’importe où autour de San Francisco, je vous invite à aller le voir.

Une partie de la programmation globale comprend de courtes performances en galerie et des performances en direct programmées par des compagnies de danse cambodgienne, indonésienne et contemporaine. Un groupe que je recommande fortement – il n’y a rien de tel nulle part – est la compagnie de danseurs traditionnels cambodgiens dirigée par Prumsodun Ok. Il est un exposant rigoureux de la danse classique et un artiste queer queer la tradition. Ils ne s’écartent pas de l’expression traditionnelle ; ce sont des danseurs classiques impeccables. Il n’y a rien de large ni de vulgaire dans cette troupe. Ils sont exquis, avec une version de leur propre identité entièrement originale et exprimée dans les formes les plus magnifiques et les plus nobles. Les artistes d’une telle confiance, compétence et audace sont rares dans ce monde. Je ne le manquerais pas.

Prumsodun Ok et compagnie. Image reproduite avec l’aimable autorisation du Musée d’art asiatique de San Francisco

Les essais du catalogue sont opportuns, peut-être en retard, et rafraîchissants à voir. Lorsque j’ai commencé à travailler avec des moines danseurs bouddhistes il y a des décennies, j’ai tout de suite remarqué que certains personnages du panthéon dansaient, et plus encore, que certaines divinités et figures divines toujours dansé. Pourtant, c’était jamais discuté par les historiens de l’art, même lorsqu’il s’agissait de l’élément de sens le plus évident et le plus central d’une peinture ou d’une fresque. Alors, en voyant l’essai d’ouverture de Padam Kaimal « Pourquoi les Yoginis dansent ? », j’ai sauté de joie. Enfin, un historien de l’art avait posé cette question. Il est suivi de l’essai tout aussi nécessaire de l’érudit Forrest McGill, « Dancing in Circles ». Les aspects fondamentaux de la danse asiatique sont mis en évidence, qui se connectent facilement avec la pratique et l’étude de l’art. Cette articulation du côté de l’histoire de l’art est un geste d’ouverture bienvenu envers les danseurs qui utilisent l’art pour comprendre, et envers les praticiens des danses représentées. Le co-commissaire McGill apporte de la clarté aux concepts interdisciplinaires.

Les seigneurs des lieux de crémation dansent, Tibet, XVe siècle. Don de la Fondation Donald et Shelly Rubin. Chez himalayanart.org

La stabilité et l’excellence de cette exposition proviennent de la haute qualité de la conservation et de la recherche en histoire de l’art. Un autre exemple de prise de mesure pour améliorer l’appréciation interdisciplinaire est que chacune des galeries thématiques – Destruction et création; Dévouement; Assujettissement; Glorification; et Celebration – présente une œuvre d’art isolée pour montrer comment le sens de l’exposition et de la galerie trouve son expression dans la représentation de la danse. Il agit comme un abécédaire pour chaque galerie. C’est fantastique. Le spectateur est invité à s’arrêter, à réfléchir à quelque chose de spécifique, puis à passer à des exemples développés. C’est une façon élégante et simple de partager des connaissances.

Brièvement:

Création et destruction: Danse Shiva Nataraj
Dévouement: Lord Krishna danse avec les cow-girls
Assujettissement: Divinité tantrique Hevajra dansant, entourée de danse yoginis
Glorification: Danseurs divertissant un noble
Fête: Villageois qui dansent

Il y a eu d’autres expositions qui s’appuyaient sur une muséologie de la danse plus avant-gardiste, comme celle d’Alexandra Munroe Third Mind, les artistes américains contemplent l’Asie (2009) au Guggenheim de New York ; et plusieurs expositions technologiquement innovantes d’Alex Siedlecki sur le bouddhisme et la danse au Museo di Arte e Cultura Orientale en Toscane, y compris Méditation en mouvement, pas vers le sublime (2019). Danser Sa Vie, Danse et Art aux 20e et 21e siècles (2012), au Centre Pompidou à Paris, était une intégration sophistiquée et magnifique de la danse et des beaux-arts, comprenant à la fois des courants culturels vitaux et s’influençant mutuellement. C’était avant-gardiste dans la construction et le concept multimédia, prenant l’influence mutuelle de la danse et de l’art comme sujet. L’exposition du Centre Pompidou a introduit une nouvelle approche de la muséologie de la danse.

Une célébration multimédia d’archives était l’exposition Merce Cunningham : Temps commun (2017), une exposition organisée dans deux musées mettant en lumière les éléments artistiques du travail de Cunningham, des films aux décors. Cunningham a travaillé avec des artistes contemporains de premier plan. Cette approche avant-gardiste de la conservation de la danse dans l’art et de la danse en tant qu’art a été créée par le Museum of Contemporary Art de Chicago, en collaboration avec le Walker Art Center de Minneapolis. Un superbe catalogue de cette exposition est disponible. L’objectif ici à San Francisco est d’aborder le sujet de la danse dans l’art, issu de la discipline de l’histoire de l’art asiatique. Il réussit, étant un si bel exemple de ce qu’il est.

L’exposition présente des représentations de danse de sociétés hindoues, bouddhistes, musulmanes et tribales. L’histoire de l’art, comme l’histoire de la danse, trouve de nombreux liens dans les tantra de tous bords, hindous et bouddhistes, laïcs et vêtus, dans la mesure où le thème de la non-dualité lui-même défie le sectarisme. Encore une fois, ces conservateurs laissent l’art faire l’enseignement, et la sélection est sublime. Divinités dansantes, animaux dansants, danseuses ; danse masquée, danse sociale, danse des puissances de l’univers : Shiva Nataraj, exécutant la danse cosmique de la création et de la destruction, figée en action comme un bronze.

La divinité bouddhiste Vajravarahi. Bronze, dorure, turquoise incrustée. Tibet, XIVe siècle. Chez clevelandart.org

Parce que les exemples d’art sont si bons – et par là spécifiquement, je veux dire que non seulement la danse en tant que symbole créé par l’art est offerte, mais la danse elle-même en tant que séquence de pas, de mouvements et de positions – l’absence de toute véritable recherche sur la danse dans l’exposition est évident pour moi. Il y a de bons érudits, comme Alessandra Iyer, spécialiste de la sculpture et de la danse de Java, qui savent vraiment interpréter l’art du point de vue de la pratique historique de la danse. Elle aurait apporté une autre dimension de compréhension, refusée à la plupart d’entre nous.

L’Ohio, où ce spectacle est né, possède une excellente institution de recherche sur la danse : la Graduate School of Dance de l’Ohio State University, l’une des meilleures au monde. Ces ressources auraient pu être intégrées dans l’exposition sur le thème de la danse sans trop de problèmes, à condition qu’il y ait une collaboration qui se renforce mutuellement. En voyant à quel point cette exposition est posée de manière réfléchie et claire, je ne peux qu’imaginer à quel point il serait bon de collaborer avec des chercheurs en danse, en multipliant les perspectives et en amplifiant le sens. Le monde de la danse s’en réjouirait.

Krisna Vaincre Kaliya, le Serpent. Alliage de cuivre, Tamil Nadu, Inde, fin du Xe siècle. M. et Mme John D. Rockefeller Troisième collection, Asia Society, New York. Chez asiasociety.org

La vérité est que la recherche avancée en études de la danse est beaucoup moins courante que l’histoire de l’art. Les chercheurs en danse sont quelque chose à rechercher, et la recherche en danse bénéficie de l’association avec l’érudition et la conservation des beaux-arts. Sans aucun doute, c’est le monde de l’art asiatique qui a le premier apprécié les danses des moines bouddhistes et des prêtres Newar. . . pas le monde de la danse. C’est grâce à une collaboration avec les efforts de conservation de l’art que la préservation de la danse a été introduite et mieux connue. Puisse la collaboration fructueuse de la recherche en danse et de la recherche en art se poursuivre sous plusieurs formes.

J’ai hâte de voir deux œuvres d’art vidéo contemporaines de l’artiste singapourienne Sarah Choo Jing. L’une, une vidéo panoramique à trois panneaux, s’intitule Art de la répétition. L’autre est L’art de la répétition : série de portraits. Au Asian Art Museum de San Francisco, Portrait Série sera présenté au début de l’exposition. En entrant, la première chose que l’on rencontre est trois danseurs, reflétant les fils chinois, malais et indiens de l’identité culturelle de l’artiste. Chacun d’eux se prépare à jouer, prépare des costumes et se maquille, quelque chose à la fois d’intime, de routinier et de rituel. Ensuite, on parcourt l’ensemble de l’exposition de 120 œuvres d’art, photos, vidéos, affiches, sculptures, reliefs, et enfin à la fin, la grande vidéo à trois panneaux est présentée comme une dernière image permanente. Il montre un paysage urbain imaginaire de Singapour dans lequel les danseurs apparaissent et disparaissent et dansent, révélant des couches de culture et d’ethnicité. L’exposition se conclut par une question persistante sur la nature insaisissable de la danse et sa capacité à véhiculer des identités complexes. Cette façon vivante et contemporaine de cadrer le spectacle est délicieuse, et même humble devant le grand mystère de la danse.

Ganesh dansant, alliage de cuivre. Karnataka, Inde, XVIe siècle. Chez lacma.org

Les expositions d’art mettant en vedette la danse bouddhiste dans l’art ne sont pas courantes. Ce spectacle présente un incroyable art de la danse bouddhiste de Birmanie, du Cambodge, d’Inde, de Mongolie, du Népal, du Sri Lanka, de Thaïlande et du Tibet. Il révèle avec grandeur des milieux entiers du mouvement et du design, dont le bouddhisme, l’art bouddhique et la danse bouddhique faisaient partie. Les liens sous-jacents avec une culture plus large et la pratique ésotérique deviennent visibles dans cette exposition éclairante, où le mot-clé est « danse ». Chapeau aux conservateurs et aux bailleurs de fonds, y compris le National Endowment of the Humanities, qui a soutenu ce projet à partir de leur programme Democracy Demands Wisdom, et le National Endowment for the Arts. S’il vous plaît, financez plus de projets qui élargissent notre concept de connaissance par une meilleure compréhension des danses d’Asie et du monde.

Enfin, le crédit séminal revient à Laura Weinstein, qui a fait bouger toute cette entreprise, avec l’intention d’explorer dans l’art, un concept simple mais profond : la danse a un sens. Qu’est-ce que c’est?

Au-delà de Bollywood, 2000 ans de danse dans les arts
Musée d’art asiatique de San Francisco
31 mars – 10 juillet 2023
200, rue Larkin
San Fransisco 94102

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François Leclercq

François Leclercq est le fondateur de Bouddha News, site internet qui a pour but de diffuser des informations et des conseils pratiques sur le bouddhisme et la spiritualité. François Leclercq est né et a grandi à Paris. Il a étudié le bouddhisme à l'Université de Paris-Sorbonne, où il est diplômé en sciences sociales et en psychologie. Après avoir obtenu son diplôme, il s'est consacré à sa passion pour le bouddhisme et a voyagé dans le monde entier pour étudier et découvrir des pratiques différentes. Il a notamment visité le Tibet, le Népal, la Thaïlande, le Japon et la Chine.

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