Engi Rokudaiou « origine des six grands éléments », est un concept fondamental du bouddhisme Shingon : la croyance que tout ce qui existe dans l’univers est composé des éléments de la terre, de l’eau, du feu, du vent, de l’air (espace) et de l’esprit (conscience).
Les six albums qui composent celui du claviériste japonais Masabumi Kíkuchi Rokudaï Les séries, chacune nommée d’après et dédiée à l’un de ces éléments, ont été enregistrées entre 1984 et 1987, d’abord publiées sur CD en 1988, puis sous forme de LaserDisc en 1991. Les enregistrements de Kíkuchi n’avaient jamais été pressés sur vinyle et avaient été largement négligés jusqu’à ce que l’écrivain, DJ, collectionneur et conservateur japonais Masaaki Hari décide de combler cette lacune.
Fondateur et producteur du label de musique ring basé à Tokyo, Hari avait découvert pour la première fois le style de Kíkuchi. Rokudaï série au milieu des années 1990, sept ou huit ans après sa sortie originale. « À l’époque, il était difficile de se procurer (ces CD), même au Japon », se souvient-il. Rokudaï n’avait pas réussi à atteindre un public plus large et la série de CD originale avait rapidement disparu du marché. Le fait que le label Geronimo, qui avait publié le premier pressage limité, ait fait faillite peu après sa sortie n’a pas aidé.
Ce n’est qu’après le décès de Masabumi Kikuchi en 2015, à l’âge de 75 ans, que l’intérêt pour ces œuvres a commencé à croître à l’étranger. En général, la musique du Japon des années 1980 a connu une résurgence auprès des collectionneurs à la fin des années 80. Peu de temps après, les algorithmes des plateformes de streaming ont commencé à recommander des œuvres de musique environnementale longtemps oubliées, mettant en vedette des compositeurs comme Midori Takada ou Hiroshi Yoshimura, aux travailleurs insulaires des ordinateurs portables, et avec un grand succès.
Dans ce climat nouveau et plus reconnaissant, l’original Rokudaï Les CD sont devenus un objet de collection très recherché. Masaaki Hara réfléchissait depuis un certain temps à l’idée d’une réédition et a finalement trouvé les bons partenaires pour le projet auprès du distributeur japonais Disk Union, en faisant appel à Taylor Deupree, un ingénieur de mastering renommé et producteur notable de musique ambiante, pour remasteriser l’œuvre à partir des bandes originales.
À l’époque de sa première sortie, Rokudaï a dérouté le public qui l’écoutait. Masabumi Kikuchi était connu comme l’un des grands pianistes de jazz japonais ; il avait joué et enregistré avec Gary Peacock et Johnny Hartman, Miles Davis et Gil Evans, Dave Liebman et Al Foster. Même si cette musique étrange et clairsemée était principalement improvisée en studio, elle ressemblait beaucoup plus à de la musique artistique électroacoustique qu’à tout ce dans lequel Kikuchi avait été impliqué auparavant.
Né en 1939, Kikuchi a étudié la musique à Tokyo et a joué avec des gens comme Lionel Hampton et le regretté Sonny Rollins lors de leur tournée au Japon dans les années 1960. À la fin de la décennie, il s’installe brièvement aux États-Unis après avoir obtenu une bourse pour étudier au Berklee College of Music, puis retourne au Japon, pour revenir aux États-Unis en 1974, cette fois s’installant définitivement à New York.
Travaillant comme claviériste dans le Monday Night Orchestra de Gil Evans dans la seconde moitié des années 1970, le pianiste s’est plongé profondément dans le funk et le jazz fusion et a de plus en plus troqué son piano acoustique contre un modèle électrique ou un des premiers synthétiseurs. Son album Sustoenregistré à l’automne 1980, reflétait cette nouvelle direction musicale, et après avoir continué dans cette voie Voyageur aller simple (1982), il se lancera dans des explorations encore plus expérimentales de la musique électronique ancienne.
Dans son loft de Brooklyn, le pianiste a commencé à collectionner toutes sortes de synthétiseurs et de boîtes à rythmes, transformant au fil du temps cet humble espace en un véritable studio d’enregistrement. Son outil préféré était le Yamaha DX7, dont le son caractéristique est souvent associé à cette époque, mais il possédait également plusieurs synthétiseurs Moog et Korg, des séquenceurs Roland et des boîtes à rythmes Oberheim. Passant beaucoup de temps seul à la maison avec son équipement, il a développé une pratique consistant à enregistrer ses jam sessions improvisées directement sur une bande analogique à deux pistes et à les mixer en direct à la volée, sans overdubs.
L’inspiration à l’époque venait des compositeurs de musique électroacoustique Karlheinz Stockhausen et Iannis Xenakis – qu’il avait tous deux commencé à étudier depuis son déménagement à New York – mais aussi de l’idée de Brian Eno sur la musique ambiante et du mouvement japonais de Kankyo Ongaku (« musique environnementale »), un style de musique minimaliste souvent composé pour des espaces spécifiques à un site, comme des bandes sonores commandées pour des musées et des galeries.
Il est pour le moins intéressant de noter comment une œuvre aussi astucieuse et exploratoire a été efficacement financée par des capitaux d’entreprises directement issus de la bulle économique japonaise des années 1980 : La musique sur Rokudaï a été commandé par l’agence de publicité japonaise Dentsu pour un projet vidéo dans le Kankyo Ongaku style, dans le cadre d’une série appelée Néo-japonais« qui présentait les bons côtés du Japon traditionnel sous un nouvel angle », comme l’explique Masaaki Hara.
Parce que la musique a été conçue à l’origine comme un accompagnement sonore d’images visuelles, Kikuchi a utilisé ses synthétiseurs non seulement pour imiter les sons du monde naturel, mais aussi pour évoquer leur réalité physique dans l’esprit de l’auditeur, en utilisant une sensation d’espace unique, que Hara qualifie de « forme d’expression typiquement japonaise ».
L’érudit bouddhiste, prêtre bouddhiste Shingon et professeur de littérature Suyu Kanaoko a écrit à propos de Rokudaï » La fonction du feu n’existe pas de manière isolée. Tout comme l’eau, la terre, le vent et l’espace naissent du soleil, la force vitale fondamentale qui anime tout dans l’univers apparaît à l’œil humain comme six forces distinctes. Chacune des six forces peut être perçue individuellement, mais aucune d’elles n’existe indépendamment. Elles sont harmonieusement fusionnées en un tout unique et indivis. «
Kanaoko se souvient de leur percée lors de la première écoute des enregistrements : « Après avoir fini d’écouter (à Rokudaï), j’ai réalisé que nous pouvons revenir à notre état originel consistant à engager tous nos sens pour saisir la totalité des forces cosmiques (les Six Grands Éléments), qui n’étaient autrefois exprimées que par des mots. . . . Cette œuvre marque l’émergence d’une nouvelle forme d’activité spirituelle, ancrée dans le corps tout entier et éveillée à travers tous les sens.
« Cette œuvre marque l’émergence d’une nouvelle forme d’activité spirituelle, ancrée dans le corps tout entier et éveillée à travers tous les sens. »
Il devrait maintenant être clair que Rokudaï n’est pas vraiment une musique de fond légère et douce – une grande partie est en fait assez stimulante, calme et clairsemée pendant de longues périodes, mais aussi dynamique et énergique par moments. Sur certains morceaux, les accords DX7 et les rythmes de boîtes à rythmes robotiques semblent même lointainement liés à la fusion punk-funk de la scène artistique du centre-ville des années 1980.
Écoutez simplement le Terre l’ouverture « Reggae Triste », qui ressemble à la fusion dub-jazz que Bill Laswell jouait avec son groupe Material à l’époque. D’autres pièces ressemblent davantage à la musique concrète de Luc Ferrari, et d’autres pourraient ressembler à l’œuvre mélodique mais minimaliste post-Yellow Magic Orchestra de Ryuichi Sakamoto et Haruomi Hosono.
La décision d’enregistrer cela sous forme de performances en temps réel au lieu de faire des enregistrements multipistes conduit certainement à une limitation extrême, mais comme nous le savons, des contraintes conscientes peuvent fonctionner comme des catalyseurs de créativité. « Le multipiste offre trop de marge de manœuvre », écrit Kikuchi dans les notes originales de la pochette, « et cela vous incite à commencer à organiser vos pensées. Une fois que vous commencez à organiser vos pensées, cela équivaut à une régression. »
Pourtant, la musique Rokudaï n’était pas non plus totalement improvisé. Plus de 500 pages de partitions manuscrites et de documents imprimés ont été retrouvées après le décès de Kikuchi, peut-être comme une sorte de plan pour ses improvisations ; il aurait tout aussi bien pu faire ces plans juste pour les abandonner lors de ses performances en studio, ce qui est en fait la façon dont Cecil Taylor travaillait souvent.
Quand il a enregistré Rokudaïle pianiste chevronné avait entre le milieu et la fin de la quarantaine. Il avait eu une solide carrière de musicien de jazz mais cherchait de nouvelles façons de s’exprimer. En surface Rokudaï ne ressemble pas au jazz, ses principes et techniques fondamentaux sont profondément enracinés et ancrés dans la musique. « (Cela) représente une véritable fusion de jazz et de musique électronique », affirme Hara. « Je crois qu’il propose une approche qui continue d’inspirer à la fois les musiciens de jazz contemporains et les musiciens électroniques. »
Alors pourquoi devrait-on écouter cela en 2026 alors que la musique n’était même pas populaire lorsqu’elle a été créée il y a quarante ans ? La réponse à cette question n’est accessible qu’à ceux qui souhaitent écouter profondément et attentivement, à l’époque comme aujourd’hui.
« Les gens recherchent un environnement où ils peuvent véritablement s’immerger dans le son », affirme Hara, soulignant la diffusion du « jazz ». baiser« , bars d’écoute de style japonais et salles d’écoute audiophiles au cours des dernières années. Faisant référence à un endroit à Tokyo où il joue régulièrement de la musique sophistiquée devant un public attentif, il conclut: « L’expérience d’écouter ensemble est rafraîchissante et enregistre comme Rokudaï sont parfaits pour (cela).
